Pour les curieux, la suite de mes aventures se trouve par-ici et par-là.

Bon vent et bonne route !

Une petite musique de film s’est penchée sur

Retour très attendu du réalisateur Danny Boyle après le succès mitigé de l’adaptation du roman The Beach d’Alex Garland, 28 Days Later réinvente en l’an 2002 le film de zombies avec l’aide du même auteur. Film d’horreur des temps modernes, il tient autant du drame social que de la critique politique. Un subtil mélange des genres que l’on retrouve jusque dans sa bande originale composée par l’Anglais John Murphy qui deviendra un fidèle collaborateur de Danny Boyle après ce premier travail en commun.

Multi-instrumentiste autodidacte, le compositeur débuta sa carrière dans les années 80 en accompagnant différents groupes et artistes avant de se diriger vers les musiques de film dans les années 90. Il plaide ainsi coupable pour les musiques originales de Lock, Stock and Two Smoking Barrels ainsi que Snatch de son compatriote Guy Ritchie, de même que du remake par Dennis Iliadis de La dernière maison sur la gauche ou de la comédie Kick-Ass.

Chaleureusement accueilli tant par le public que par les critiques, 28 Days Later est porté par les compositions aériennes de John Murphy, puisant pour quelques titres dans le répertoire classique et contemporain, avec entre autres l’entêtant A.M.180 de Grandaddy.

Rendez-vous dès dimanche prochain dans l’émission Première Séance pour de nouvelles Petites musiques de film pétries de tout beaux airs et de toutes belles mélodies !

De ce fait, le dimanche 20 mars, Une petite musique de film revenait sur la très belle musique de Requiem for Billy the Kid par Claire Diterzi, et dimanche 27, c’est Wild Tigers I Have Known qui était à l’honneur.

Ceci étant dit, je précise néanmoins que le 20 février dernier, Une petite musique de film s’est penchée sur

Amis du premier degré, passez votre chemin, car une fois de plus, je ne résiste pas à l’envie de vous parler d’un objet non identifié, tant sur le plan musical que cinématographique : après nous avoir retourné la tête avec son Steak en 2007, Quentin Dupieux nous revient avec un film encore plus saignant – Rubber, l’histoire improbable d’un pneu tueur, télépathe et amoureux présentée à la Semaine de la Critique au Festival de Cannes 2010.

Pour sa musique, le réalisateur a comme d’habitude pris les commandes, avec cette fois la complicité de Gaspard Augé, moitié crollée de Justice et compagnon de label de Quentin Dupieux alias Mr Oizo. Si l’on sent bien la Ed Banger touch, Quentin Dupieux et Gaspard Augé n’hésitent pas à cligner très subtilement de l’œil aux westerns et autres road movies du Nouvel Hollywood, s’attachant derrière leurs machines à une certaine intemporalité de sons et de thèmes.

Film extraordinaire au sens premier du terme, Rubber s’accompagne d’une musique qui l’est tout autant : interpellante, brute de décoffrage et sans chichis, elle trouvera autant sa place dans les salles obscures que sur le dancefloor !

(le 27 février, Une petite musique de film revenait sur la bande originale du film Juno, le 6 mars, sur celle des Triplettes de Belleville, et hier, sur celle de Bullit)

Une petite musique de film s’est penchée sur

Le septième et avant-dernier album des légendaires Talking Heads est la bande originale de True Stories, film musical réalisé par leur chanteur, David Byrne, sorti en 1986. Four commercial, il n’en devint pas moins culte auprès des fans du groupe new yorkais. En plus d’y faire des apparitions autour de leur chanteur, le groupe a composé neuf titres, dont l’un, le désormais fameux Radio Head, donnera son nom à l’un des groupes les plus populaires des années 90 et 2000 !

Outre les titres des Talking Heads, le film True Stories comprend de nombreux passages chantés par ses acteurs, dont la plupart sont restés inédits sur disque (si l’on excepte leur présence sur des faces B à l’époque pas si lointaine où les gens achetaient encore des 45 tours…).

Le véritable vainqueur de ces True Stories est très probablement le single Wild Wild Life, dernier grand succès des Talking Heads avant leur séparation dont le clip remporta un MTV Video Music Award en 1987.

Une petite musique de film s’est penchée sur

Pour l’adaptation en 2002 du livre About A Boy de Nick Hornby, grand mélomane devant l’éternel, les frères Weitz ont eu la brillante idée de faire appel à Damon Gough alias Badly Drawn Boy pour en composer la musique originale. « Originale », c’est le mot, en effet, puisque ces seize vignettes musicales s’écoutent comme un album à part entière du troubadour anglais qui crée des ambiances peut-être pas si joyeuses et sautillantes qu’il n’y paraît, à l’image du film qu’elles accompagnent puisque sous couvert de comédie, About A Boy aborde surtout le thème des parents célibataires et de la paternité avec beaucoup de tact et d’humour.

S’éloignant volontairement de l’album The Hour of Bewilderbeast qui fit sa gloire deux ans auparavant, Badly Drawn Boy a composé ici des chansons que n’auraient pas reniées Elliott Smith. Une similitude somme toute logique puisque, pour sa première collaboration avec un producteur, le musicien britannique a choisi Tom Rothrock, co-producteur du songwriter américain depuis la bande originale de Good Will Hunting en 1997 jusqu’à sa mort en 2003.

Collection de chansons pop entêtantes, la bande originale de About A Boy brille, tout comme le film, par son apparente légèreté, malgré la douloureuse absence sur ce disque de Killing Me Softly revu et corrigé par Nicholas Hoult et Hugh Grant…

Une petite musique de film s’est penchée sur

Pour sa troisième adaptation de roman après Dead Zone de Stephen King en 1983 et Le Festin Nu de William S. Burroughs en 1991, David Cronenberg se penche en 1996 sur un autre monument de la littérature contemporaine en adaptant le Crash de J.G. Ballard pour lequel il fait appel à son compatriote et compositeur attitré de son compatriote : le Canadien Howard Shore. Ce dernier ravit les oreilles des cinéphiles mélomanes depuis la fin des années 70, et devint incontournable avec sa musique pour Le Silence des Agneaux en 1991, puis absolument indispensable depuis la trilogie du Seigneur des Anneaux dix ans plus tard.

Sa musique inquiétante et sensuelle sied à ravir à ce chassé-croisé perturbant : la recherche par les personnages d’une excitation sexuelle dans des accidents de voiture est soulignée par des guitares électriques dégageant un érotisme à la limite du malsain.

Hypnotique d’un bout à l’autre et extrêmement controversé malgré son Prix du Jury à Cannes en 1996, Crash est le genre de film qui laisse une forte impression à ses spectateurs : poisseuse pour les uns, fascinante pour les autres, cette impression n’est que renforcée par la musique sombre et envoûtante de Howard Shore.

Une petite musique de film s’est penchée sur

Connu du grand public pour être le chanteur de Faith No More, Mike Patton n’en est pas moins l’un des musiciens les plus inventifs de sa génération : aussi à l’aise dans le métal que dans le jazz, le chanteur aux talents multiples s’est aussi fait un nom dans les milieux avant-gardistes à travers ses travaux avec le groupe Fantômas ou ses collaborations avec le saxophoniste John Zorn.

Après avoir composé en 2008 une musique pour le court-métrage A Perfect Place, Mike Patton sort l’année suivante sa bande originale pour Crank : High Voltage, suite ultra-musclée du thriller d’action autour du tueur à gages Chev Chelios.

Mike Patton avait déjà montré l’intérêt qu’il porte au 7^e art avec le groupe Fantômas : en 2001, leur album The Director’s Cut comprenait quinze reprises de musiques de films, de La Nuit du chasseur à Twin Peaks. La composition d’une bande originale semblait donc lui pendre au nez depuis longtemps. Pour celle-ci, il s’en est visiblement donné à cœur joie, laissant bien plus parler son côté malicieux que son côté “intello” et renoue ici avec sa sensibilité métal tout en insufflant à ses compositions un aspect éminemment ludique. Ce n’est d’ailleurs pas étonnant si Patton lui-même parle des instruments utilisés pour la composition de Crank : High Voltage en les qualifiant de jouets. Le résultat, pourtant, n’est pas pour les enfants !

Une petite musique de film s’est penchée sur

In my Sleep – dont la traduction française n’est pas “dans mon slip” – est un thriller américain d’Allen Wolf. Pour son premier film, le réalisateur aborde le thème inépuisable du sommeil, et plus précisément du somnambulisme. Se revendiquant du film noir façon Hitchcock, Allen Wolf a fait appel à Conrad Pope pour sa musique. Une bande son sexy et langoureuse comme l’étaient celles de Bernard Herrmann pour le maître du suspense.

Entre piano solo et orchestrations opulentes, Conrad Pope fait preuve d’une grande décontraction pour installer des ambiances fines et raffinées dans la plus pure tradition de l’âge d’or hollywoodien. Arrangeur et chef d’orchestre à Hollywood depuis le début des années 90, il a finalement peu composé pour le cinéma, appréciant sans aucun doute sa place d’homme de l’ombre. Pourtant, à l’écoute de In my Sleep, on en vient à regretter sa discrétion, car, de l’élégance à la modestie, il semble avoir tout d’un grand.